HARD ’N’ HEAVY

BORDCOMPUTER

Nach seinem Ausstieg bei Immortal hatte Abbath zunächst eine Band gegründet, die schlicht seinen eigenen Namen trug. Für das zweite Album war damit zumindest die Frage nach dem Bandnamen bereits erledigt.

Outstrider besitzt vieles, was Abbaths Musik seit Jahrzehnten kennzeichnet: frostige Gitarren, rasende Passagen, eine deutlich hörbare Rock-’n’-Roll-Ader und jene Stimme, die klingt, als hätte jemand Kies in einem norwegischen Winter gelagert.

Interessanter sind die Stellen, an denen die Musik Luft bekommt. Ole André Farstad bringt akustische Gitarren und sogar eine Zither ins Instrumentarium, während Stücke wie Harvest Pyre zeigen, wie eng Black Metal und klassischer Heavy Metal bei Abbath inzwischen nebeneinanderliegen können.

Norwegen blieb kalt. Abbath hatte offenbar keinen Anlass gesehen, die Heizung einzuschalten.

BORDCOMPUTER

Ein Jahr vor Highway to Hell waren AC/DC bereits fast vollständig dort angekommen, wo sie hinwollten.

Cliff Williams übernimmt erstmals den Bass, Phil Rudd sitzt am Schlagzeug, Malcolm Young baut die rhythmische Grundlage und Angus Young erledigt darüber die üblichen elektrischen Arbeiten. Bon Scott erzählt währenddessen von Schulden, Sünde, Schießereien und anderen Umständen, die einer geregelten Lebensführung eher abträglich sind.

Bemerkenswert ist, wie wenig Powerage nach Übergang klingt. Riff Raff und Sin City besitzen bereits die Präzision der kommenden Jahre, wirken aber noch rauer und weniger auf maximale Wirkung zugeschnitten.

Ein Jahr später würde ein neuer Produzent die Band für die großen Arenen vorbereiten.

1978 stand AC/DC noch vor der Tür. Das Gebäude vibrierte bereits.

BORDCOMPUTER

AC/DC änderten 1979 ihren Stil nicht.

Sie machten ihn nur so präzise, dass plötzlich die ganze Welt verstand, was gemeint war.

Produzent Mutt Lange räumt die Arrangements auf, arbeitet an den Chören und lässt die Gitarren groß klingen, ohne ihnen ihre Trockenheit zu nehmen. Der Titelsong benötigt anschließend nur wenige Sekunden, um seinen Zweck zu erklären.

Girls Got Rhythm, Touch Too Much und If You Want Blood zeigen dasselbe Prinzip: möglichst wenig Bauteile, möglichst sinnvoll angeordnet.

Es wurde das letzte AC/DC-Album mit Bon Scott. Er starb im Februar 1980. Dadurch besitzt Highway to Hell rückblickend eine Schwere, die bei seiner Entstehung nicht vorgesehen war.

Die Straße führte nach oben. Niemand wusste, wie abrupt sie enden würde.

BORDCOMPUTER

Bon Scott starb im Februar 1980. Für AC/DC hätte damit die Geschichte beendet sein können.

Fünf Monate später erschien Back in Black.

Brian Johnson versucht dabei nicht, Scott zu imitieren. Seine Stimme verändert die Band zwangsläufig, während Angus und Malcolm Young genau das Gegenteil tun: Sie reduzieren ihre Musik weiter auf Riff, Rhythmus und möglichst wenig unnötige Bewegung.

Hells Bells beginnt mit einer Glocke. Back in Black benötigt nur wenige Gitarrenakkorde, um erkannt zu werden. You Shook Me All Night Long zeigt, dass Einfachheit nicht dasselbe ist wie Ideenarmut.

Das schwarze Cover war als Zeichen der Trauer um Scott gedacht. Was darauf zu hören ist, klingt jedoch nicht wie eine Band, die langsam Abschied nimmt.

AC/DC verloren ihren Sänger. Das Riff überlebte.

BORDCOMPUTER

Ende der Achtziger war Hard Rock inzwischen groß, glänzend und häufig von einer beträchtlichen Menge Haarspray umgeben.

AC/DC reagierten darauf, indem sie Harry Vanda und George Young zurückholten – zwei Männer, die bereits ihre Platten in den Siebzigern produziert hatten.

Heatseeker und That’s the Way I Wanna Rock ’n’ Roll klingen entsprechend weniger nach Neuerfindung als nach einer Maschine, deren Konstrukteure noch einmal die Schrauben angezogen haben. Simon Wright spielt geradlinig, Malcolm Young hält das rhythmische Fundament fest und Angus Young erledigt weiterhin Dinge mit einer Gibson SG, für die andere Bands mehrere Gitarristen beschäftigten.

Das Video sollte explodieren. Der Rock ’n’ Roll durfte unverändert bleiben.

BORDCOMPUTER

1990 mussten AC/DC niemandem mehr erklären, wie AC/DC funktionieren.

Trotzdem beginnt The Razors Edge mit einer kleinen Demonstration.

Angus Young spielt eine einzelne Gitarrenfigur. Sie läuft weiter. Die Band kommt hinzu. Brian Johnson schreit „Thunder“. Wenig später existiert Thunderstruck.

Bruce Fairbairn produziert die Platte größer und räumlicher als einige ihrer Vorgänger, Chris Slade übernimmt das Schlagzeug, und Moneytalks zeigt, wie nahe AC/DC einem Popsong kommen können, ohne ernsthaft Gefahr zu laufen, einer zu werden.

Die Neunziger hatten begonnen.

AC/DC überprüften kurz die neue Dekade. Die vorhandenen Gitarren waren weiterhin kompatibel.

BORDCOMPUTER

1995 hatte sich die Welt des Rock gründlich verändert. Grunge war gekommen, Alternative Rock beherrschte große Teile der Gegenwart und Metal hatte begonnen, sich in immer neue Unterarten aufzuspalten. AC/DC reagierten auf diese Entwicklungen mit bemerkenswerter Konsequenz.

Sie spielten AC/DC.

Ballbreaker war trotzdem keine gewöhnliche Fortsetzung. Phil Rudd saß erstmals seit Flick of the Switch wieder am Schlagzeug. Und mit Rick Rubin stand ein Produzent hinter dem Mischpult, der vor allem dafür sorgte, dass AC/DC möglichst nach AC/DC klangen.

Das Ergebnis besitzt Luft. Malcolm Youngs Rhythmusgitarre steht trocken und unbeirrbar im Raum, Phil Rudd spielt nur die Schläge, die tatsächlich benötigt werden, und Cliff Williams scheint weiterhin der Überzeugung zu sein, dass ein Bassist nicht für jede vorhandene Saite Kilometergeld beantragen muss.

AC/DC mussten 1995 niemandem mehr beweisen, dass sie sich weiterentwickeln konnten.

Die Welt hatte sich weitergedreht.

Malcolm Young hatte noch ein Riff.

BORDCOMPUTER

2020 war Malcolm Young seit drei Jahren tot, Brian Johnson hatte zwischenzeitlich wegen schwerer Hörprobleme die Bühne verlassen, Phil Rudd war aus der Band verschwunden und Cliff Williams hatte seinen Rückzug erklärt.

AC/DC reagierten auf diese Ausgangslage auf vorhersehbare Weise.

Sie machten ein AC/DC-Album.

Brian Johnson, Rudd und Williams kehrten zurück, Stevie Young übernahm Malcolms Platz, und Angus Young griff für die Songs auch auf Material zurück, das er zuvor gemeinsam mit seinem Bruder geschrieben hatte. Malcolm erhielt deshalb bei allen zwölf Stücken einen Autorencredit.

Shot in the Dark hätte in verschiedenen Jahrzehnten dieser Band funktionieren können. Through the Mists of Time erlaubt sich etwas mehr Rückblick, ohne daraus eine Abschiedsveranstaltung zu machen.

Bei AC/DC ist Beständigkeit keine Abwesenheit von Entwicklung. Sie ist längst das eigentliche Konzept.

Die Welt hatte sich weitergedreht. Angus Young hatte noch ein Riff.

BORDCOMPUTER

Accept hatten sich getrennt, Udo Dirkschneider war gegangen und Eat the Heat mit David Reece hatte die Band in eine andere Richtung geführt. 1993 war Udo wieder da.

Objection Overruled macht aus diesem Vorgang keine komplizierte Angelegenheit. Wolf Hoffmann beschrieb später selbst, dass Accept bewusst wieder das tun wollten, wofür Accept bekannt waren. Nach vier Jahren Pause musste offenbar zunächst überprüft werden, ob die Maschine noch ansprang.

Sie sprang an.

Der Titelsong, I Don’t Wanna Be Like You und Slaves to Metal liefern klassischen Accept-Metal: Hoffmanns scharf geschnittene Gitarren, Baltes und Kaufmann als schweres Fundament und darüber jene Stimme, bei der Udo Dirkschneider seit jeher klingt, als habe jemand einen sehr wütenden kleinen Mann in eine Kreissäge eingebaut.

Objection Overruled ist deshalb weniger Neuerfindung als Wiederinbetriebnahme.

Manchmal ist genau das der Plan.

BORDCOMPUTER

Ace Frehley hatte KISS 1982 verlassen. Fünf Jahre später erschien mit Frehley’s Comet endlich das Album, das beantworten sollte, was der ehemalige Spaceman außerhalb dieses ziemlich großen Mutterschiffs eigentlich macht.

Die Antwort lautet erfreulicherweise: Gitarre spielen.

Rock Soldiers verarbeitet Frehleys schwere Autounfall- und Alkoholphase ungewöhnlich direkt, während Into the Night und Calling to You deutlich melodischer arbeiten. Tod Howarth übernimmt bei einigen Stücken den Leadgesang, und mit Anton Fig sitzt ein alter Bekannter aus Frehleys KISS-Soloalbum von 1978 am Schlagzeug.

Am Ende steht Fractured Too, die Fortsetzung des Instrumentals Fractured Mirror.

Der Spaceman hatte KISS verlassen. Der Weltraum blieb offenbar sein Zuständigkeitsbereich.

BORDCOMPUTER

Vierzig Jahre nach seinem ersten KISS-Soloalbum veröffentlichte Ace Frehley ein Album namens Spaceman. Niemand konnte behaupten, die Markenführung sei unklar.

Frehley übernimmt nicht nur sämtliche Gitarren, sondern auch einen beträchtlichen Teil der Bassarbeit. Gene Simmons taucht bei Without You I’m Nothing am Bass auf und war sogar derjenige, der Frehley den Albumtitel vorschlug. Für einen Moment befinden sich damit wieder zwei Viertel der ursprünglichen KISS-Besatzung im selben Raum.

Musikalisch versucht Spaceman nicht, Ace Frehley neu zu erfinden. Die Gitarren knirschen, die Soli haben seinen sofort erkennbaren, leicht taumelnden Ton und mit Quantum Flux endet die Platte standesgemäß instrumental im Weltraum.

Frehley war inzwischen 67 Jahre alt.

Der Bordcomputer erkennt keinen Grund, deshalb die Umlaufbahn zu verlassen.

BORDCOMPUTER

Aerosmith hatten in den siebziger Jahren bereits eine Karriere gehabt, sie beinahe zerstört und in den achtziger Jahren beschlossen, einfach noch eine anzufangen. Permanent Vacation und Pump hatten diese zweite Karriere längst etabliert. Get a Grip machte sie riesig.

Bruce Fairbairn produziert die Band groß, glänzend und ausgesprochen radiotauglich. Gleichzeitig stehen mit Eat the Rich und Fever genügend Gitarren herum, damit niemand versehentlich glaubt, Aerosmith seien zu einer Balladengruppe geworden.

Dann kommen Cryin’, Crazy und Amazing. Drei große Balladen, aufwendige Videos und Steven Tyler in maximaler Steven-Tyler-Ausführung. Mitte der Neunziger konnte man MTV zeitweise einschalten und musste lediglich warten, bis Aerosmith wieder erschienen.

Bemerkenswert ist, dass unter all dieser Hochglanzproduktion immer noch diese alte, etwas schmutzige Band zu hören ist.

Sie hatte inzwischen nur ein erheblich größeres Budget.

BORDCOMPUTER

Big Ones ist kein gewöhnliches Aerosmith-Album. Es ist die Bilanz ihrer Geffen-Jahre bis 1994 – und damit die Dokumentation einer der bemerkenswertesten zweiten Karrieren des Rock.

Dude (Looks Like a Lady), Rag Doll und Angel treffen auf Janie’s Got a Gun, What It Takes, Cryin’, Crazy und Livin’ on the Edge. Dazwischen stehen mit Walk on Water und Blind Man zwei neue Stücke.

Das Interessante an dieser Zusammenstellung ist deshalb weniger, dass hier viele Hits versammelt sind. Man hört chronologisch verdichtet, wie aus einer wiederauferstandenen Siebzigerjahre-Band eine der größten Rockbands der MTV-Ära wurde.

Eine Greatest-Hits-Sammlung ist normalerweise der Ort, an dem Geschichte ordentlich ins Regal gestellt wird.

Bei Aerosmith war die Geschichte zu diesem Zeitpunkt noch längst nicht fertig.

BORDCOMPUTER

Nach Get a Grip hätten Aerosmith bequem versuchen können, denselben gewaltigen Erfolg noch einmal herzustellen. Stattdessen wechselten sie zurück zu Columbia, ihrem alten Label, verloren während der Entstehung ihren zunächst vorgesehenen Produzenten Glen Ballard und nahmen große Teile der Platte mit Kevin Shirley neu auf.

Nine Lives klingt entsprechend etwas unruhiger als sein Vorgänger. Der Titelsong springt beinahe aus den Lautsprechern, Falling in Love (Is Hard on the Knees) stolpert mit Bläsern durch die Gegend, Taste of India entdeckt Sitar-Klänge und Pink beweist, dass Steven Tyler auch aus einer Farbe einen vollständigen Aerosmith-Song bauen kann.

Natürlich gibt es mit Hole in My Soul und Full Circle wieder große Balladen.

Aerosmith waren 1997 längst eine Institution.

Erfreulicherweise benahmen sie sich nicht besonders institutionell.

BORDCOMPUTER

Alice Cooper war Ende der achtziger Jahre bereits seit zwei Jahrzehnten damit beschäftigt, Rockmusik mit Guillotinen, Schlangen und allerlei anderen Personalproblemen zu verbinden. Auf Trash kam ein weiteres gefährliches Gerät hinzu: Desmond Child.

Der Produzent und Songwriter hatte kurz zuvor Bon Jovi zu enormen Refrains verholfen. Auf Trash erhält Alice Cooper dieselbe Behandlung. Die Gitarren glänzen, die Refrains sind riesig und bei Poison treffen Coopers alte Theaterfigur und der Hair Metal der späten Achtziger so sauber aufeinander, dass niemand mehr feststellen kann, wer hier eigentlich wen benutzt.

Joe Perry, Steven Tyler, Jon Bon Jovi, Richie Sambora und weitere Gäste schauen vorbei. Es herrscht reger Betrieb.

Trash modernisierte Alice Cooper nicht, indem es seine Vergangenheit versteckte.

Es gab dem Monster Haarspray.

BORDCOMPUTER

Nach dem Erfolg von Trash hätte Alice Cooper das Rezept einfach wiederholen können.

Im Wesentlichen tat er genau das. Er lud nur noch mehr Leute ein.

Slash, Joe Satriani, Steve Vai, Vinnie Moore, Mick Mars, Nikki Sixx und Ozzy Osbourne gehören zu den Gästen auf Hey Stoopid. Bei Feed My Frankenstein spielen Satriani und Vai Gitarre und Sixx Bass. Das ist weniger eine Studiobesetzung als eine Situation, für die andere Bands ein Festival organisieren müssten.

Peter Collins gibt dem Album erneut den großen Hard-Rock-Klang seiner Zeit, aber Cooper selbst bleibt das Zentrum. Love’s a Loaded Gun, Might as Well Be on Mars und der Titelsong verbinden Melodie, Drama und jene leicht groteske Theaterwelt, die er lange vor der Hair-Metal-Ära erfunden hatte.

Die Achtziger waren vorbei.

Alice Coopers Frisur hatte die Nachricht noch nicht erhalten.

BORDCOMPUTER

Als Facelift 1990 erschien, war „Seattle“ noch keine international vertriebene musikalische Produktbezeichnung. Alice in Chains klangen ohnehin anders als vieles, was später unter Grunge einsortiert wurde.

Jerry Cantrells Gitarren kommen aus Metal und Hard Rock, bewegen sich aber in merkwürdigen, dunklen Intervallen. Darüber steht Layne Staley mit einer Stimme, die schon hier gleichzeitig enorme Kraft und etwas eigentümlich Gequältes besitzt. Bei Man in the Box finden beide Elemente erstmals vollständig zusammen.

Noch ist die Band direkter als auf Dirt. We Die Young und It Ain’t Like That drücken nach vorne, während Love, Hate, Love bereits zeigt, wie weit Alice in Chains einen Song in die Dunkelheit ziehen konnten.

Das Album heißt Facelift.

Die Gesichter auf dem Cover hätten vermutlich Einwände gegen das Ergebnis.

BORDCOMPUTER

Zwischen Facelift und Dirt veröffentlichten Alice in Chains vier ernst gemeinte akustische Stücke und anschließend Love Song, bei dem die Musiker Instrumente tauschten und beschlossen, dass zwanzig Minuten Schwermut vermutlich ausreichend seien.

Sap zeigte früh, dass die Band ihre Wirkung nicht aus verzerrten Gitarren beziehen musste. Brother und Got Me Wrong leben von Cantrells Melodien und den Stimmen, Am I Inside ist beinahe gespenstisch. Ann Wilson von Heart singt bei zwei Stücken mit; bei Right Turn erscheinen zusätzlich Chris Cornell und Mark Arm unter dem angemessen absurden Gemeinschaftsnamen „Alice Mudgarden“.

Was zunächst wie eine kleine Nebenveröffentlichung wirkt, öffnete eine Tür.

Alice in Chains würden später noch sehr oft hindurchgehen.

BORDCOMPUTER

Alice in Chains waren 1992 längst nicht mehr nur eine weitere laute Band aus Seattle. Facelift hatte ihnen zwei Jahre zuvor die Tür geöffnet, Man in the Box hatte sie hindurchgeschoben. Auf Dirt gingen sie hinunter in den Keller.

Die Gitarren von Jerry Cantrell sind schwer und eigentümlich schief. Sie drücken nicht einfach nach vorne, sondern ziehen die Stücke nach unten. Darüber singt Layne Staley mit einer Stimme, die gleichzeitig gewaltig und erstaunlich verletzlich klingt. Wenn Cantrell dazukommt, entstehen jene dunklen zweistimmigen Harmonien, an denen man Alice in Chains nach wenigen Sekunden erkennen kann.

Auch inhaltlich ist Dirt kein besonders gastfreundlicher Ort. Sucht, Selbsttäuschung, Schmerz und Tod ziehen sich durch große Teile des Albums.

Und trotzdem ist Dirt keine Stunde musikalischer Hoffnungslosigkeit. Dafür sind die Songs zu gut. Them Bones benötigt zweieinhalb Minuten, um einen kleinen Krater zu hinterlassen. Down in a Hole ist beinahe schön. Und am Ende wartet Would?, als hätte die Band beschlossen, den Hörer wenigstens mit einem der größten Bassläufe der neunziger Jahre wieder an die Oberfläche zu schicken.

Dirt handelt nicht nur von Dunkelheit. An manchen Stellen hört man, dass ein Teil davon längst zum wirklichen Leben der Beteiligten gehörte.

Das ist der unangenehme Unterschied.

BORDCOMPUTER

Nach Dirt hätten Alice in Chains problemlos noch schwerer werden können. Stattdessen gingen sie ins London Bridge Studio, begannen ohne fertige Songs und nahmen innerhalb ungefähr einer Woche Jar of Flies auf.

Mike Inez war nun erstmals auf einer Veröffentlichung vollständig Teil der Band. Sein Bass eröffnet Rotten Apple, bevor Gitarren, Stimme und Atmosphäre langsam darum herumwachsen.

Nutshell benötigt fast nichts. No Excuses besitzt einen beinahe freundlichen Rhythmus, solange man nicht zu genau hinhört. Streicher erscheinen, eine Mundharmonika taucht auf, Whale & Wasp kommt ganz ohne Gesang aus.

Alice in Chains hatten ihre Verstärker nicht abgeschafft. Sie hatten lediglich entdeckt, dass Stille ebenfalls ziemlich schwer sein kann.

Sieben Stücke genügten.

BORDCOMPUTER

1995 waren Alice in Chains eine erfolgreiche Band, die kaum noch wie eine funktionierende Band existierte. Layne Staleys Suchtprobleme erschwerten Proben und Aufnahmen, Tourneen waren unsicher geworden. In dieser Situation entstand das namenlose dritte Album.

Es klingt entsprechend nicht nach Aufbruch.

Grind beginnt mit einer Gitarre, die eher kriecht als läuft. Sludge Factory, Head Creeps und Frogs ziehen die Musik in zähe, teilweise fast psychedelische Räume. Daneben stehen mit Heaven Beside You und Over Now zwei von Cantrell gesungene Stücke, die bereits ahnen lassen, wie wichtig seine Stimme künftig werden würde.

Das dreibeinige Tier auf dem Cover gab der Platte ihren inoffiziellen Namen: „Tripod“.

Alice in Chains hatten ein Album aufgenommen, das gleichzeitig schwer, müde und seltsam entrückt klingt.

Danach sollte es vierzehn Jahre lang kein neues Studioalbum mehr geben.

BORDCOMPUTER

Am 10. April 1996 standen Alice in Chains für MTV erstmals seit langer Zeit wieder gemeinsam auf einer Bühne. Keine Verstärkerwand, keine große Show. Teppiche, Kerzen, akustische Instrumente und vier Musiker, bei denen man wusste, dass nicht alles in Ordnung war.

Gerade deshalb funktioniert diese Aufnahme.

Nutshell eröffnet den Abend beinahe ohne Schutz. Stücke wie Down in a Hole, Rooster oder Would? verlieren durch die akustischen Arrangements nichts von ihrem Gewicht. Sludge Factory muss nach einem Fehler noch einmal begonnen werden. Die Szene bleibt auf der Veröffentlichung erhalten.

Das ist wichtig. Unplugged wirkt nicht wie ein sorgfältig konserviertes Denkmal, sondern wie ein Abend, der tatsächlich stattgefunden hat.

Am Ende steht mit Killer Is Me sogar ein neues Stück.

Eine Band, die kaum noch gemeinsam auftrat, spielte eines ihrer intimsten Konzerte.

BORDCOMPUTER

Vierzehn Jahre nach dem letzten Studioalbum und sieben Jahre nach Layne Staleys Tod erschien tatsächlich ein neues Alice-in-Chains-Album.

Das hätte sehr leicht falschgehen können.

William DuVall versucht klugerweise nicht, Staley nachzubauen. Stattdessen teilt er sich die Stimmen mit Jerry Cantrell, und genau dort entsteht wieder etwas Vertrautes: diese dunklen Harmonien, die sofort nach Alice in Chains klingen, obwohl eine der beiden Stimmen neu ist.

All Secrets Known eröffnet beinahe programmatisch. Check My Brain besitzt eines jener schiefen Cantrell-Riffs, die eigentlich falsch klingen müssten und deshalb vollkommen richtig sind. Am Ende steht der Titelsong, Cantrells Abschied von Staley, begleitet von Elton John am Klavier.

Black Gives Way to Blue versucht nicht, 1995 fortzusetzen.

Es beantwortet eine schwierigere Frage:

Wie bleibt man dieselbe Band, wenn jemand fehlt, der nicht ersetzt werden kann?

BORDCOMPUTER

Black Gives Way to Blue musste 2009 zunächst beweisen, dass Alice in Chains überhaupt weiterexistieren konnten. Vier Jahre später war diese Frage erledigt.

The Devil Put Dinosaurs Here kann sich deshalb wieder mit Musik beschäftigen.

Und die ist schwer. Hollow eröffnet mit einem Riff, das sich mit ungefähr derselben Geschwindigkeit bewegt wie tektonische Platten. Stone macht anschließend deutlich, dass Jerry Cantrell noch immer ungewöhnliche Dinge mit wenigen Gitarrentönen anstellen kann.

Gleichzeitig ist William DuVall inzwischen weniger „der neue Sänger“ als Teil einer Band, deren Gesang wieder aus dem Zusammenspiel zweier Stimmen entsteht.

Der Titelsong beschäftigt sich mit religiösem Fundamentalismus und der Vorstellung, Dinosaurierfossilien seien zur Prüfung des Glaubens platziert worden.

Der Bordcomputer besitzt umfangreiche Datenbanken zur Erdgeschichte.

Er empfiehlt dennoch, zunächst das Album zu hören.

BORDCOMPUTER

Nach Black Gives Way to Blue und The Devil Put Dinosaurs Here war längst geklärt, dass Alice in Chains auch ohne Layne Staley eine Zukunft besitzen. Auf Rainier Fog richtet die Band den Blick deshalb nicht mehr auf ihre eigene Wiederauferstehung, sondern zurück auf den Ort, an dem alles begonnen hatte.

Der Titel verweist auf den Mount Rainier und auf Seattle. Dort nahm die Band erstmals seit dem selbstbetitelten Album von 1995 wieder einen wesentlichen Teil einer Platte auf. Entsprechend hängt über Rainier Fog viel Vergangenheit, ohne dass Alice in Chains versuchen, 1992 noch einmal herzustellen.

Jerry Cantrell und William DuVall verschränken ihre Stimmen inzwischen so selbstverständlich, dass die alten Alice-in-Chains-Harmonien erhalten bleiben und trotzdem anders klingen. The One You Know arbeitet mit einem kantigen Cantrell-Riff, Drone lässt sich sechseinhalb Minuten Zeit, und All I Am beendet das Album erst nach mehr als sieben.

Selbst Chris DeGarmo von Soundgarden-Nachbarn Queensrÿche taucht mit einer akustischen Gitarre auf.

Der Nebel liegt also noch über Seattle.

Alice in Chains hatten nur gelernt, darin zu navigieren.

BORDCOMPUTER

Nach seinem Ausstieg bei Rage hätte Victor Smolski eine neue Metalband gründen können.

Stattdessen gründete er Almanac und brachte vorsichtshalber mehrere Sänger, ein Orchester und einen klassischen Chor mit.

Tsar ist das Debüt dieser Konstruktion. Die Erfahrung aus Smolskis Arbeit mit dem Lingua Mortis Orchestra ist überall zu hören, aber die orchestralen Elemente sitzen nicht einfach dekorativ hinter einer Metalband. Sie gehören zu den Arrangements. Gitarren, Chor und Orchester arbeiten am selben Material.

Mit Andy B. Franck, David Readman und Jeannette Marchewka stehen zudem drei sehr unterschiedliche Stimmen zur Verfügung. Das Album kann dadurch zwischen Power Metal, progressiven Passagen und beinahe soundtrackartigen Momenten wechseln, ohne jedes Mal das Personal austauschen zu müssen.

Der Titel lautet Tsar.

Bescheidenheit war offenbar nicht Teil des Produktionskonzepts.

BORDCOMPUTER

Das erste Alter-Bridge-Album One Day Remains war noch stark von Mark Tremonti geprägt worden. Für Blackbird änderte sich das Kräfteverhältnis. Myles Kennedy spielte nun ebenfalls Gitarre und beteiligte sich wesentlich stärker am Songwriting.

Plötzlich war Alter Bridge nicht mehr bloß jene Band, die aus drei ehemaligen Creed-Musikern und einem anderen Sänger bestand.

Michael Baskette gibt den Gitarren erhebliches Gewicht, ohne die großen Melodien zu begraben. Ties That Bind und White Knuckles zeigen die härtere Seite, Watch Over You die ruhigere. Im Zentrum steht der fast achtminütige Titelsong mit seinem langen Gitarrensolo von Kennedy und Tremonti.

Zwei ausgezeichnete Gitarristen in derselben Band führen gelegentlich zu organisatorischen Schwierigkeiten.

Alter Bridge beschlossen offenbar, einfach beide spielen zu lassen.

Mit Blackbird fanden sie den Klang, auf dem ein großer Teil ihrer weiteren Geschichte aufbauen würde.

BORDCOMPUTER

Alter Bridge waren auf Fortress längst keine Band mehr, die man sinnvoll über die früheren Arbeitgeber ihrer Mitglieder erklären musste. Das vierte Album klingt vielmehr nach vier Musikern, die herausgefunden hatten, wie weit sie ihr eigenes Modell belasten konnten, ohne dass es auseinanderfällt.

Mark Tremontis schwere Riffs stehen weiterhin im Maschinenraum. Darüber bekommt die Musik aber deutlich mehr Platz für lange Spannungsbögen, Taktwechsel und ausgedehnte Gitarrenarbeit. Myles Kennedy muss dabei gleichzeitig gegen eine ziemlich massive Wand ansingen und über ihr schweben. Er erledigt beides.

Schon Cry of Achilles beginnt nicht mit dem erwartbaren Hard-Rock-Handschlag, sondern mit akustischer Gitarre und nimmt sich anschließend sechseinhalb Minuten Zeit. Der Titelsong benötigt sogar mehr als sieben.

Fortress ist deshalb ein gutes Beispiel dafür, was passieren kann, wenn eine erfolgreiche Rockband beschließt, ihre Songs nicht einfacher zu machen.

Die Festung wurde nicht höher gebaut. Der Grundriss wurde komplizierter.

BORDCOMPUTER

Alter Bridge hatten 2016 einen Punkt erreicht, an dem sich eine ziemlich einfache Frage stellte: Wie groß war diese Band inzwischen eigentlich geworden?

Die Antwort lautet: O2 Arena.

Das Londoner Konzert umfasst Material aus der gesamten bisherigen Karriere. Blackbird, Metalingus und Open Your Eyes stehen neben damals neuen Stücken aus The Last Hero. Mark Tremonti übernimmt bei Waters Rising den Gesang, Myles Kennedy spielt Watch Over You allein akustisch.

Interessanter für ein physisches Archiv ist allerdings die dritte CD. Dort liegen Songs, die jahrelang über Bonusfassungen und japanische Ausgaben verstreut waren, plötzlich gemeinsam in einer Schachtel.

Streaming hat für solche Dinge eine Suchfunktion.

Der Tonträger hat eine dritte CD.

BORDCOMPUTER

Nach fünf Alben hätte Alter Bridge ihre Konstruktion problemlos weiterbetreiben können: Tremontis schwere Gitarren, Kennedys große Melodien und dazwischen genügend Raum für ausgedehnte Soli.

Auf Walk the Sky tauchen stattdessen Synthesizer auf.

Sie ersetzen die Gitarren nicht. Das wäre bei Mark Tremonti vermutlich ohnehin nur mit erheblichem administrativem Aufwand möglich. Stücke wie Pay No Mind und Godspeed benutzen elektronische Flächen vielmehr als zusätzliche Ebene unter einer weiterhin eindeutig erkennbaren Band.

Forever Falling lässt Tremonti wieder den Leadgesang übernehmen, während Dying Light das Album mit jener Mischung aus Schwere, Melodie und längeren Spannungsbögen beendet, die Alter Bridge inzwischen sehr selbstverständlich beherrschen.

Nach fünfzehn Jahren erweitert die Band damit ihren Wortschatz, ohne die Sprache zu wechseln.

Alter Bridge entdeckten Synthesizer. Die Gitarren wurden vorsorglich nicht informiert.

BORDCOMPUTER

Amon Amarth hatten 2019 bereits mehr als zwei Jahrzehnte damit verbracht, aus nordischer Mythologie und Geschichte melodischen Death Metal zu bauen. Der Materialvorrat war offenbar noch nicht erschöpft.

Berserker beginnt mit Fafnir, besucht Thor und seine beiden Wölfe und landet zwischendurch im Jahr 1066. The Berserker at Stamford Bridge erzählt von dem legendären norwegischen Krieger, der der Überlieferung nach eine englische Flussquerung beinahe allein verteidigte.

Musikalisch bleibt das Fundament vertraut: zweistimmige Gitarrenmelodien, große Riffs und Johan Heggs Stimme, die auch eine Einkaufsliste vermutlich wie eine Überlieferung aus der Wikingerzeit klingen ließe.

Dabei erlaubt sich das Album mehr Dynamik als der Bandname zunächst vermuten lässt. Into the Dark beendet die Platte ungewöhnlich persönlich und nachdenklich.

Zwölf Stücke später war Walhall noch immer nicht voll.

BORDCOMPUTER

Amorphis nahmen für ihr zweites Album Geschichten aus dem finnischen Kalevala und stellten sie ins Sunlight Studio, jenen Stockholmer Ort, an dem Anfang der Neunziger bereits eine beträchtliche Menge schwedischen Death Metals entstanden war.

Das Ergebnis klingt trotzdem kaum wie ein gewöhnliches Produkt dieser Umgebung.

Death-Metal-Gitarren treffen auf Keyboards, wiederkehrende Melodien und eine eigentümlich alte, beinahe feierliche Atmosphäre. Besonders Black Winter Day zeigt, wohin das führt: Der Song ist schwer und dunkel, besitzt aber eine Melodie, die sich verhält, als hätte sie dort schon einige Jahrhunderte gewartet.

Der klare Gastgesang von Ville Tuomi erweitert das Vokabular zusätzlich. Amorphis hatten damit bereits 1994 Elemente zusammengebracht, aus denen sich später ein beträchtlicher Teil des melodischen europäischen Metals bedienen sollte.

Finnische Nationaldichtung hatte nun elektrische Gitarren. Sie scheint den Eingriff überstanden zu haben.

BORDCOMPUTER

Fünf Jahre nach Tales from the Thousand Lakes waren Amorphis an einem anderen Ort angekommen. Die finnische Mythologie war noch da. Die Band hatte nur aufgehört, sie ausschließlich mit Death Metal zu vertonen.

Auf Tuonela treten die Keyboards zurück, während psychedelischer Rock, Folk, akustische Gitarren und sogar Sitar, Saxophon und Flöte in die Musik gelangen. Pasi Koskinens klarer Gesang steht zunehmend im Zentrum; die alten Growls tauchen nur noch punktuell auf.

Das Bemerkenswerte daran ist, dass Amorphis trotz dieser Verschiebung nicht leichter zuzuordnen wurden. Sie tauschten eine eindeutige Schublade gegen mehrere halb geöffnete.

Der Titelsong wirkt entsprechend weniger wie Metal mit folkloristischer Dekoration als wie Musik, in der beide Seiten längst aufgehört haben, ihre Herkunftspapiere vorzuzeigen.

Amorphis verließen den Death Metal. Eine Wegbeschreibung hinterließen sie nicht.

BORDCOMPUTER

Mit Eclipse hatten Amorphis zwei Jahre zuvor Tomi Joutsen eingeführt und gleichzeitig verschiedene Phasen ihrer eigenen Geschichte wieder miteinander verbunden.

Silent Waters zeigt, dass das kein einmaliger Vorgang war.

Joutsen wechselt selbstverständlich zwischen klarem Gesang und Growls, während Esa Holopainen und Tomi Koivusaari jene melancholischen Gitarrenmelodien spielen, die inzwischen fast so eindeutig nach Amorphis klingen wie ein Bandlogo. Keyboards und Folk-Elemente geben den Stücken zusätzliche Farbe, ohne sie mit Dekoration zu überladen.

Die Texte greifen erneut auf finnische Überlieferung zurück, diesmal auf die Kullervo-Geschichte aus dem Kalevala. Damit kehrt auch inhaltlich etwas zurück, das schon Tales from the Thousand Lakes geprägt hatte.

Nur klingt die Band dreizehn Jahre später völlig anders.

Die tausend Seen waren noch da. Inzwischen war es etwas stiller geworden.

BORDCOMPUTER

Nach mehreren Alben mit derselben Besetzung änderten Amorphis diesmal eine andere Variable: Peter Tägtgren übernahm die Produktion.

Das Ergebnis klingt unmittelbarer und stellenweise härter. Shades of Gray setzt Tomi Joutsens Growls weit nach vorne, während Narrow Path mit Folk-Melodien und Flöten fast am anderen Ende des Amorphis-Spektrums steht. Dazwischen verbinden The Wanderer und Hopeless Days große klare Gesangslinien mit jener eigentümlich finnischen Melancholie, die diese Band inzwischen zuverlässig herstellen kann.

Die Texte bilden eine zusammenhängende Geschichte um einen Menschen, der durch eine Krise geführt wird und dabei Kraft und einen neuen Weg findet. Anders als bei früheren Alben stammt die Handlung nicht unmittelbar aus dem Kalevala, wurde aber erneut von Pekka Kainulainen geschrieben.

Der Kreis im Titel bezeichnet damit weniger eine Rückkehr zum Anfang als einen abgeschlossenen Weg.

Amorphis schlossen den Kreis. Erstaunlicherweise führte er trotzdem weiter.

BORDCOMPUTER

Nach Silent Waters und Circle begegnen uns Amorphis im Archiv ein weiteres Mal. Auf Queen of Time ist inzwischen allerdings deutlich mehr Personal unterwegs.

Chöre, Orchester, Flöten, Saxophon und orientalische Instrumente erweitern die ohnehin schwer einzuordnende Mischung der Finnen. Produzent Jens Bogren hält das erstaunlich große Ensemble zusammen. Selbst wenn Daughter of Hate plötzlich ein Saxophon hereinlässt, bleibt die Platte unverkennbar Amorphis.

Mit Olli-Pekka Laine ist außerdem der ursprüngliche Bassist zurück. Und bei Amongst Stars taucht eine Stimme auf, die in unserem Tonarchiv bereits ein eigenes Fach besitzt: Anneke van Giersbergen.

Die frühen Amorphis erzählten von tausend Seen. Fast ein Vierteljahrhundert später benötigen sie zusätzlich ein Orchester.

Finnland war offenbar größer geworden.

BORDCOMPUTER

Amplifier hatten für ihr drittes Album keinen besonderen Drang zur Kürze. The Octopus verteilt sich auf zwei CDs, sechzehn Stücke und ungefähr zwei Stunden Musik. Ein Song heißt Trading Dark Matter on the Stock Exchange. Er dauert elfeinhalb Minuten. Damit sind die Betriebsbedingungen hinreichend beschrieben.

Sel Balamir und seine Mitspieler bewegen sich zwischen schweren Gitarrenriffs, Space Rock, Progressive Rock und langen atmosphärischen Passagen. Wiederkehrende Motive halten das gewaltige Gebilde zusammen, während der namensgebende Oktopus weniger als Tier denn als Symbol eines verzweigten Systems funktioniert.

Bemerkenswert ist auch die Entstehung: Nach Problemen mit der bisherigen Plattenfirma brachte die Band das Album schließlich über das eigene Label Ampcorp heraus.

The Octopus ist entsprechend kein Album, das um Aufmerksamkeit bittet. Es setzt voraus, dass welche vorhanden ist.

Acht Arme. Zwei CDs. Der Bordcomputer erkennt ein konsequentes Verhältnis.

BORDCOMPUTER

Der erste Titel sieht aus wie eine Fehlermeldung des Navigationssystems: 32.63N 117.14W.

Es sind Koordinaten.

Sie führen zu jenem kalifornischen Küstenabschnitt, der bereits auf dem Cover von Anathemas A Fine Day to Exit aus dem Jahr 2001 zu sehen war. The Optimist nimmt die dort angedeutete Geschichte wieder auf und schickt ihre namenlose Figur weiter.

Musikalisch sind Anathema inzwischen sehr weit von ihren Doom-Metal-Anfängen entfernt. Elektronik, Klavier, Streicher und große atmosphärische Flächen stehen neben Rockinstrumentierung; Vincent Cavanagh und Lee Douglas teilen sich weite Teile des Gesangs. Die Platte funktioniert weniger als Sammlung einzelner Songs denn als Reise, die schließlich mit dem elfminütigen Back to the Start endet.

Der Titel lautet The Optimist.

Bei Anathema sollte man daraus noch keine voreiligen Schlüsse ziehen.

BORDCOMPUTER

Als Anneke van Giersbergen 2007 The Gathering verließ, verschwand eine der markantesten Stimmen des europäischen Metal nicht etwa aus dem System. Sie begann nur, sich weniger um dessen Kategorien zu kümmern.

Everything Is Changing macht das bereits im Titel deutlich. Gitarren sind noch vorhanden, doch ebenso Piano, Elektronik und große Popmelodien. Feel Alive eröffnet beinahe demonstrativ hell; Circles und My Boy zeigen die ruhigere Seite der Platte.

Das verbindende Element ist weniger ein bestimmter Stil als van Giersbergens Stimme. Sie funktioniert mit verzerrten Gitarren ebenso wie mit einem Piano – eine Eigenschaft, die ihre späteren Ausflüge von Devin Townsend bis Amorphis erheblich erleichtert.

Everything is changing. Die Stimme offenbar nicht.

BORDCOMPUTER

Anneke van Giersbergen hatte für ihr nächstes Projekt ursprünglich andere Pläne. Nach VUUR sollte es weitergehen, lauter und größer.

Dann geriet ihr Privatleben in eine Krise. Sie zog sich zeitweise in ein kleines Haus nahe eines Waldes zurück und schrieb mit einer akustischen Gitarre neue Stücke.

Aus dem geplanten Metalalbum wurde The Darkest Skies Are the Brightest.

Die Musik lebt von akustischen Gitarren, Streichern, Percussion und vor allem von Van Giersbergens Stimme. Wer sie aus The Gathering oder VUUR kennt, wartet möglicherweise zunächst darauf, dass irgendwann eine schwere Gitarre durch die Tür kommt.

Sie kommt nicht.

Das Album benötigt sie auch nicht. Agape, Hurricane oder The End zeigen, dass Reduktion bei Van Giersbergen nicht bedeutet, dass weniger geschieht. Nur der Abstand zwischen den Dingen wird größer.

Manchmal verändert eine Krise den Plan.

Gelegentlich war der Plan das Entbehrliche.

BORDCOMPUTER

Annihilator beginnen ihr Debüt mit einer akustischen Miniatur namens Crystal Ann. Das ist höflich. Danach beginnt Alison Hell und die Höflichkeit wird eingestellt.

Jeff Waters schrieb das Material, produzierte das Album und spielte bei den Aufnahmen Gitarre und Bass. Entsprechend deutlich trägt Alice in Hell seine Handschrift: abrupte Tempowechsel, präzise Riffs, technische Gitarrenarbeit und Songs, die nur selten dort weiterlaufen, wo man sie eine Sekunde zuvor vermutet hätte.

Randy Rampages Stimme liefert dazu keine elegante Oberfläche. Sie klingt nervös, aggressiv und gelegentlich so, als habe jemand die Figur auf dem Cover tatsächlich ins Studio gelassen.

Dass Annihilator ihr Debüt technisch komplexer anlegten als viele Thrash-Alben dieser Zeit, macht es bis heute eigenständig. Geschwindigkeit ist hier nicht das eigentliche Kunststück.

Interessanter ist, wie oft die Maschine bei voller Fahrt die Richtung wechselt.

BORDCOMPUTER

Vier Jahre nach Alice in Hell ist Jeff Waters noch immer sofort zu erkennen. Annihilator klingen auf Set the World on Fire allerdings so, als hätten sie beschlossen, nicht in jedem Song sämtliche verfügbaren Thrash-Metal-Werkzeuge gleichzeitig zu benutzen.

Der Titelsong besitzt noch reichlich Geschwindigkeit und Präzision. Daneben stehen aber geradliniger Heavy Metal, Phoenix Rising als Ballade und mit Sounds Good to Me ein Stück, das beinahe demonstrativ melodisch auftritt.

1993 war das eine riskante Bewegung. Thrash Metal verlor kommerziell an Boden, Alternative Rock hatte die Landschaft verändert, und Annihilator öffneten ihre Musik ausgerechnet in diesem Moment erheblich.

Das Ergebnis ist weniger geschlossen als die ersten beiden Alben, zeigt dafür ziemlich deutlich, dass Jeff Waters nicht vorhatte, ein einmal erfolgreiches Rezept endlos zu reproduzieren.

Die Welt sollte in Brand gesetzt werden. Sicherheitshalber wurden auch einige Feuerzeuge mit Radioempfang verteilt.

BORDCOMPUTER

1987 gehörten Anthrax endgültig zu den Bands, die dem amerikanischen Thrash Metal sein Gesicht gaben.

Allerdings ein etwas anderes Gesicht.

Während andere Bands bevorzugt Krieg, Tod und Weltuntergang untersuchten, schrieben Anthrax über Stephen King, Judge Dredd, soziale Konflikte und die ausgesprochen reale Erfahrung, in einem Moshpit festzustecken.

Die Musik ist entsprechend schnell und hart, besitzt aber jene Gang-Shouts und rhythmische Sprunghaftigkeit, die Anthrax sofort von ihren Kollegen unterscheidet. Caught in a Mosh, Indians und I Am the Law wurden dauerhaft Teil ihres Repertoires.

Thrash Metal konnte sehr ernst sein.

Anthrax hatten nichts dagegen. Sie hatten nur zusätzlich Comics gelesen.

BORDCOMPUTER

State of Euphoria hatte ein undankbares Problem: Es erschien nach Among the Living.

Anthrax waren 1988 auf ihrem kommerziellen Vormarsch, spielten weiterhin schnellen, rhythmisch eigenwilligen Thrash und besaßen mit Joey Belladonna einen Sänger, der über diesem Getriebe Melodien platzieren konnte, statt lediglich dagegen anzubrüllen.

Be All, End All eröffnet mit Cello, bevor die Band einfällt. Antisocial, ursprünglich von der französischen Band Trust, wird so selbstverständlich zu Anthrax-Material, dass die Coverversion später zu einem ihrer bekanntesten Stücke gehörte. Dazwischen finden sich die typischen abrupten Rhythmuswechsel, Gang-Shouts und jene eigentümliche Mischung aus Ernst und Comic-Heft-Energie, die bei Anthrax nie weit auseinanderlag.

Das Album besitzt vielleicht nicht die historische Sonderstellung seines Vorgängers. Es zeigt aber eine Band mitten in einer Phase, in der ihr eigener Stil längst unverwechselbar geworden war.

Euphorie ist möglicherweise übertrieben. Erhöhte Betriebstemperatur lässt sich jedoch bestätigen.

BORDCOMPUTER

Drei Jahre nach Among the Living klingt Anthrax merklich weniger nach einer Band, die gerade einen Comic aus dem Rucksack gezogen hat.

Persistence of Time ist dunkler, schwerer und thematisch ernster. Zeit, Hass, gesellschaftliche Spannungen und die unangenehmen Seiten menschlicher Gruppenbildung bestimmen große Teile der Platte. Selbst die Produktion wirkt trockener und bedrohlicher.

Ganz verschwunden ist die eigentümliche Anthrax-DNA allerdings nicht. Mitten darin steht Joe Jacksons Got the Time, erheblich beschleunigt und so selbstverständlich integriert, dass man vergessen könnte, dass das Stück ursprünglich kein Thrash Metal war.

Der Albumtitel beschäftigt sich mit der Beharrlichkeit der Zeit.

Charlie Benante versuchte offenbar, schneller zu sein.

BORDCOMPUTER

Andere Bands sammeln ihre übrig gebliebenen B-Seiten irgendwann diskret ein. Anthrax nannten ihre Sammlung Attack of the Killer B’s und stellten sich mit Baseballschlägern aufs Cover.

Das passt.

Hier stehen S.O.D.-Stücke neben Discharge, Kiss und einer Surf-Instrumentalnummer. I’m the Man bekommt eine neue Fassung. Bring the Noise mit Public Enemy verbindet Metal und Hip-Hop nicht als theoretisches Experiment, sondern als drei Minuten Musik, die offenbar keine Genehmigung der Genrebehörde eingeholt hatte.

Gerade deshalb erzählt diese vermeintliche Resteverwertung erstaunlich viel über Anthrax. Humor, Hardcore, Rap, Thrash, Coverversionen und völliger Unfug existieren nebeneinander, ohne dass die Band darin einen Widerspruch erkennt.

Und am Ende steht N.F.B. (Dallabnikufesin) – eine Powerballade über eine große Liebe mit einem bemerkenswert pragmatischen Ausgang.

Die B-Seite war bei Anthrax offenbar lediglich die Seite, auf der noch Platz war.

BORDCOMPUTER

1993 wechselten Anthrax nicht einfach den Sänger. Mit John Bush veränderte sich die Statik der ganzen Band.

Seine Stimme sitzt tiefer und schwerer als Joey Belladonnas hoher, klarer Gesang. Gleichzeitig verschwinden viele der klassischen Thrash-Muster. Die Gitarren werden massiver, das Tempo häufiger gedrosselt, die Songs dunkler. Produzent Dave Jerden, der zuvor unter anderem mit Alice in Chains gearbeitet hatte, gibt dem Ganzen entsprechend viel Gewicht.

Only zeigt die neue Konstruktion besonders deutlich: ein einfacheres, gewaltiges Riff, viel Raum und Bushs Stimme im Mittelpunkt. Black Lodge geht noch weiter und entstand unter Beteiligung von Angelo Badalamenti, bekannt für seine Zusammenarbeit mit David Lynch.

Man kann Sound of White Noise deshalb kaum als bloße Fortsetzung der Belladonna-Alben hören. Der Bandname blieb derselbe. Das Koordinatensystem nicht.

Anthrax wechselten den Sänger. Offenbar wurde dabei versehentlich auch die Schwerkraft erhöht.

BORDCOMPUTER

Als Live: The Island Years 1994 erschien, existierte diese Version von Anthrax bereits nicht mehr. Joey Belladonna war gegangen, John Bush hatte Sound of White Noise eingesungen und die Band war bei Elektra.

Das Album blickt deshalb rückwärts. Sogar seine zwölf Stücke stammen nicht aus einem einzigen Konzert: Die ersten acht wurden 1991 in Kalifornien aufgenommen, die letzten vier Anfang 1992 in den Electric Lady Studios.

Gerade dadurch konserviert die Platte ziemlich unverstellt, wie die Belladonna-Besetzung kurz vor ihrem Ende funktionierte. Caught in a Mosh, Indians und Antisocial besitzen live den erwartbaren zusätzlichen Schub; bei Bring the Noise steht Public Enemy tatsächlich mit auf der Bühne.

Es ist weniger das sorgfältig komponierte Live-Dokument eines Abends als eine nachträglich zusammengesetzte Momentaufnahme.

Zwei Konzerte, eine Platte, eine Besetzung, die bei Veröffentlichung bereits Geschichte war. Archivierung kann gelegentlich sehr pünktlich zu spät kommen.

BORDCOMPUTER

Auf Sound of White Noise hatten Anthrax ihre neue Richtung gefunden. Zwei Jahre später entfernten sie noch ein weiteres Bauteil: einen festen Leadgitarristen.

Dan Spitz war nicht mehr dabei. Statt ihn unmittelbar zu ersetzen, verteilte die Band die Gitarrenarbeit. Charlie Benante spielt neben Schlagzeug auch Gitarre, Paul Crook übernimmt mehrere Soli, Dimebag Darrell taucht bei King Size und Riding Shotgun auf.

Die Musik wird dadurch nicht luftiger. Stomp 442 ist trocken, schwer und stark vom Groove geprägt. John Bush klingt inzwischen vollständig in der Band angekommen; mit dem Thrash der Achtziger verbindet dieses Album eher die rhythmische Angriffslust als dessen Geschwindigkeit.

Das macht Stomp 442 zu einem Dokument jener Mitte der Neunziger, in der viele ältere Metalbands herausfinden mussten, was von ihrer Identität übrig blieb, wenn sich das Umfeld vollständig verändert hatte.

Anthrax entschieden sich gegen Rückzug und gegen Nostalgie.

Sie stampften weiter. Der Albumtitel hatte die Bedienungsanleitung bereits mitgeliefert.

BORDCOMPUTER

Zwischen Stomp 442 und We’ve Come for You All lagen acht Jahre, ein weiteres Studioalbum, wechselnde Gitarristen und eine Metalwelt, die inzwischen wieder anders aussah.

Anthrax reagieren darauf nicht mit einer Rückkehr zum Thrash der Achtziger. Stattdessen führen sie die John-Bush-Version der Band zu einem erstaunlich geschlossenen Ergebnis. Die Riffs sind schwer, die Refrains groß, und Stücke wie What Doesn’t Die erinnern daran, dass Geschwindigkeit bei Anthrax nie vollständig aus dem Gebäude ausgezogen war.

Neu dabei ist Rob Caggiano. Außerdem schauen Dimebag Darrell und Roger Daltrey vorbei – eine Gästeliste, bei der selbst der Bordcomputer kurz die Genrezuordnung überprüft.

Vor allem aber klingt das Album wieder nach einer Band mit einem klaren Mittelpunkt. Nach mehreren Jahren stilistischer Verschiebungen greifen die verschiedenen Anthrax-Epochen ineinander, ohne dass daraus eine Nostalgieveranstaltung wird.

Sie waren für uns alle gekommen. Erfreulicherweise brachten sie Gitarren mit.

BORDCOMPUTER

2004 stellten Anthrax ihren eigenen Backkatalog zur Abstimmung. Die Fans wählten vierzehn Stücke aus den Jahren 1984 bis 1990, und die damalige Besetzung spielte sie noch einmal ein.

Das macht The Greater of Two Evils zu einem merkwürdigen Album. Es ist weder Best-of noch gewöhnliche Neuaufnahme. Vor allem hört man, was geschieht, wenn John Bush Material übernimmt, das ursprünglich für Neil Turbin und Joey Belladonna geschrieben wurde.

Bush versucht dabei vernünftigerweise nicht, Belladonna zu imitieren. Seine tiefere, rauere Stimme zieht Stücke wie Caught in a Mosh, Indians oder Among the Living in die Klangwelt der späteren Anthrax. Auch die Instrumente besitzen erheblich mehr Gewicht als auf den Originalaufnahmen.

Dadurch ersetzt das Album die alten Fassungen nicht. Es stellt ihnen eine zweite Version derselben Bandgeschichte gegenüber.

Anthrax covern Anthrax. Wenigstens waren die Rechte leicht zu klären.

BORDCOMPUTER

Acht Jahre waren seit dem letzten regulären Anthrax-Studioalbum vergangen. In dieser Zeit wechselten Sänger, frühere Sänger kehrten zurück, verschwanden wieder, und ein bereits weitgehend aufgenommenes Album wartete darauf, endlich einen endgültigen Zustand anzunehmen.

Am Ende stand wieder Joey Belladonna am Mikrofon.

Das Überraschende an Worship Music ist deshalb nicht, dass es nach klassischem Anthrax klingt. Sondern wie selbstverständlich die verschiedenen Lebensphasen der Band plötzlich zusammenpassen. Earth on Hell und Fight ‘Em ‘Til You Can’t liefern Thrash, The Devil You Know besitzt beinahe Hard-Rock-Groove, und In the End lässt sich sechs Minuten Zeit.

Letzteres ist Ronnie James Dio und Dimebag Darrell gewidmet. Judas Priest benötigt dagegen keine umfangreiche Untersuchung des Songtitels.

Nach mehreren Jahren Umbau erschien schließlich ein Album namens Worship Music.

Die Personalabteilung hatte ihre Arbeit beendet. Anthrax konnten wieder Lärm machen.

BORDCOMPUTER

Anthrax waren 2016 längst in einem Alter angekommen, in dem eine Thrash-Metal-Band theoretisch damit beginnen könnte, ihre eigene Vergangenheit zu verwalten.

Sie entschieden sich dagegen.

For All Kings ist das zweite Studioalbum nach Joey Belladonnas Rückkehr und das erste mit Jonathan Donais an der Leadgitarre. Stücke wie Evil Twin erinnern daran, dass Anthrax weiterhin sehr schnell werden können. Interessanter sind jedoch die Stellen, an denen sie es nicht müssen.

Blood Eagle Wings benötigt fast acht Minuten, Breathing Lightning setzt große Melodien neben Thrash-Riffs, und Charlie Benante spielt weiterhin Schlagzeug, als hätte ihm niemand das Konzept eines gemütlichen Spätwerks erklärt.

Nach mehr als dreißig Jahren Bandgeschichte lautet der Albumtitel For All Kings.

Die Pensionierung des Hofstaats wurde vertagt.

BORDCOMPUTER

Mit Wages of Sin hatte Angela Gossow bereits klargestellt, dass der Sängerwechsel bei Arch Enemy keine Übergangsphase war. Auf Anthems of Rebellion musste die neue Besetzung nichts mehr beweisen. Sie konnte anfangen, ihre eigene Form zu bauen.

Die Gitarren von Michael und Christopher Amott bleiben melodisch und sofort erkennbar, doch die Songs werden kompakter und die Refrains deutlicher. We Will Rise bringt dieses Prinzip beinahe programmatisch auf den Punkt: Melodic Death Metal, der nicht weniger aggressiv wird, nur weil inzwischen ziemlich genau bekannt ist, wo der Refrain wohnt.

Andy Sneaps Produktion verstärkt diese Präzision. Alles sitzt an seinem Platz, ohne die Gitarrenmelodien glattzubügeln.

Arch Enemy waren damit nicht mehr bloß eine extreme Metalband mit bemerkenswerten Melodien. Sie begannen, aus beidem große Songs zu konstruieren.

Die Rebellion hatte inzwischen Hymnen. Organisatorisch ist das meistens der nächste Schritt.

BORDCOMPUTER

Nach Rise of the Tyrant ließen Arch Enemy vier Jahre bis zum nächsten Studioalbum verstreichen. Für ihre Verhältnisse war das beinahe eine längere geologische Epoche.

Khaos Legions verändert die Grundkonstruktion trotzdem nicht radikal. Michael und Christopher Amott verzahnen aggressive Riffs mit zweistimmigen Gitarrenmelodien, Daniel Erlandsson hält das System auf hoher Drehzahl und Angela Gossow steht weiterhin vor der Maschine, als wäre dort ausdrücklich kein Sicherheitsabstand vorgesehen.

Interessanter ist, wie selbstverständlich Arch Enemy inzwischen mit ihrem eigenen Stil umgehen. Yesterday Is Dead and Gone oder No Gods, No Masters müssen Melodie und Härte nicht mehr miteinander versöhnen. Diese Diskussion war längst abgeschlossen.

Es wurde zugleich das letzte Studioalbum mit Gossow als Sängerin und mit Christopher Amott als regulärem Gitarristen. Damit endete rückblickend eine zentrale Phase der Band.

Das Chaos war inzwischen bemerkenswert gut organisiert.

BORDCOMPUTER

Ein Livealbum kann dokumentieren, wie eine Band ihre Stücke auf einer Bühne spielt. As the Stages Burn! dokumentiert zusätzlich einen Umbau.

Alissa White-Gluz war inzwischen als Sängerin etabliert, und mit Jeff Loomis stand neben Michael Amott ein zweiter Gitarrist auf der Bühne, dessen technische Möglichkeiten eher selten Anlass zur Sorge geben. Arch Enemy beschlossen, diese Besetzung 2016 beim Wacken Open Air mit ihrer bis dahin aufwendigsten Bühnenproduktion festzuhalten. Michael Amott bezeichnete gerade diesen Zeitpunkt ausdrücklich als geeigneten Moment, die neue Phase der Band zu dokumentieren.

Die Setlist reicht entsprechend weit zurück: Bury Me an Angel fehlt zwar auf der eigentlichen Wacken-CD, aber Ravenous, Dead Eyes See No Future und We Will Rise stehen neben Material aus der White-Gluz-Ära wie War Eternal, Stolen Life und You Will Know My Name.

Der Titel verändert dabei den Namen eines eigenen Songs nur geringfügig: Aus As the Pages Burn werden Stages.

Die Seiten hatten bereits gebrannt. Jetzt waren offenbar die Bühnen dran.

BORDCOMPUTER

Will to Power ist das zweite Album mit Alissa White-Gluz und das erste mit Jeff Loomis in der Besetzung. Wer angesichts des ehemaligen Nevermore-Gitarristen eine vollständige technische Machtübernahme erwartet hatte, unterschätzte allerdings Michael Amotts Vorstellungen von Eigentumsverhältnissen.

Arch Enemy bleiben Arch Enemy: große Gitarrenmelodien, präzise Rhythmusarbeit und White-Gluz’ extreme Stimme im Zentrum. Neu ist, dass die Band ihre Grenzen vorsichtig weiter öffnet. Reason to Believe lässt erstmals auf einem Arch-Enemy-Studioalbum ausführlicher klaren Gesang von White-Gluz zu.

Das ist keine Revolution. Gerade darin liegt der Punkt. Nach mehr als zwanzig Jahren verändert die Band einzelne Bauteile, ohne ihre Silhouette zu verlieren.

Jeff Loomis steht mit einer Gitarre daneben, die vermutlich mehr Töne kennt als manche vollständige Diskografie.

Arch Enemy benutzen davon nur die benötigten.

BORDCOMPUTER

Armored Saint gehörten schon in den Achtzigern zu jenen Metalbands, bei denen sich rückblickend die Frage stellt, warum eigentlich nicht wesentlich mehr Menschen ihren Namen kennen.

2020 schien die Band beschlossen zu haben, diese Frage nicht mehr zu bearbeiten.

John Bush singt weiterhin mit einer Stimme, die zwischen klassischem Heavy Metal und rauem Hard Rock liegt, während Joey Vera und die Sandoval-Brüder kaum Interesse daran zeigen, irgendeiner aktuellen Metalströmung hinterherzulaufen. End of the Attention Span beschäftigt sich ausgerechnet mit unserer zunehmend zerhackten Aufmerksamkeit und benötigt dafür mehr als fünf Minuten.

Am ungewöhnlichsten beginnt Standing on the Shoulders of Giants: Uilleann Pipes eröffnen ein Heavy-Metal-Album aus Los Angeles.

Nach fast vierzig Jahren Bandgeschichte klingt das nicht nach einem Versuch, jung zu wirken.

Armored Saint hatten offenbar beschlossen, stattdessen einfach nicht alt zu klingen.

BORDCOMPUTER

1995 nahmen At the Gates elf Stücke auf, von denen kaum eines vier Minuten benötigt. Das war keine Sparmaßnahme.

Auf Slaughter of the Soul wird der melodische Death Metal auf seine unmittelbarste Form verdichtet. Die Gitarren von Anders Björler und Martin Larsson liefern Melodien, die beinahe ebenso wichtig sind wie die Riffs; darunter treibt die Rhythmusgruppe die Stücke mit einer Präzision voran, die wenig Raum für Dekoration lässt. Tomas Lindberg klingt derweil, als müsse eine dringende Angelegenheit innerhalb der nächsten drei Minuten geklärt werden.

Blinded by Fear, der Titelsong und Cold zeigen das Prinzip fast ohne Umwege. Melodie macht die Musik nicht weicher. Sie macht den Angriff lediglich leichter erinnerbar.

Kurz nach dem Album lösten sich At the Gates auf. Was zunächst wie ein Endpunkt aussah, wurde in den folgenden Jahren zu einer der einflussreichsten Blaupausen des modernen melodischen Metals.

Manchmal braucht eine Band für ein Vermächtnis keine lange Karriere. Drei Minuten pro Stück können genügen.

BORDCOMPUTER

1995 veröffentlichten At the Gates Slaughter of the Soul. Danach löste sich die Band auf.

Neunzehn Jahre später erschien ein neues Studioalbum.

Das hätte leicht zu einer historischen Nachstellung werden können. Stattdessen klingt At War with Reality eindeutig nach derselben Band, ohne so zu tun, als wären seit 1995 keine Jahre vergangen. Die Gitarren von Anders Björler und Martin Larsson wechseln zwischen den vertrauten schneidenden Melodien und ruhigeren, beinahe unheimlichen Passagen; Tomas Lindberg klingt weiterhin, als müsse eine sehr dringende Angelegenheit geklärt werden.

Textlich orientiert sich das Album am magischen Realismus lateinamerikanischer Literatur und beschäftigt sich mit der Grenze zwischen Wirklichkeit und Wahrnehmung. Das erklärt Titel wie The Circular Ruins und The Book of Sand – beide verweisen auf Jorge Luis Borges.

Neunzehn Jahre zwischen zwei Studioalben sind eine ungewöhnlich lange Pause.

At the Gates kamen zurück. Die Tore waren offenbar nie abgeschlossen.

BORDCOMPUTER

Atlantean Kodex stammen aus der Oberpfalz. Ihre Musik klingt allerdings, als wäre die Oberpfalz erheblich größer und mindestens dreitausend Jahre älter als bislang angenommen.

The Course of Empire verbindet klassischen Heavy Metal und Doom mit monumentalen Melodien, langen Spannungsbögen und einer historischen Bilderwelt, die von Mesopotamien über Byzanz bis zum europäischen Abendland reicht. Mehrere Stücke bewegen sich um die Neun-Minuten-Marke. Eile gehört erkennbar nicht zum Konzept.

Dabei geht es weniger um eine zusammenhängende historische Erzählung als um Aufstieg, kulturelles Gedächtnis, Verlust und den Zerfall von Zivilisationen. Selbst der Titel verweist auf Thomas Coles Gemäldezyklus The Course of Empire, der eine Zivilisation von ihrer Entstehung bis zu ihrer Zerstörung verfolgt.

Das Album endet schließlich mit Die Welt von Gestern.

Andere Metalbands bauen Songs. Atlantean Kodex bauen Zivilisationen und warten anschließend, bis sie untergehen.

BORDCOMPUTER

Audioslave entstanden aus einer Gleichung, die auf dem Papier fast verdächtig einfach aussieht: die drei Instrumentalisten von Rage Against the Machine plus Chris Cornell von Soundgarden.

Das Debüt funktioniert aber gerade deshalb, weil niemand versucht, daraus eine mathematische Summe der beiden alten Bands zu machen. Tom Morello klingt weiterhin unverkennbar nach Tom Morello, Tim Commerford und Brad Wilk bauen darunter ihre massive Rhythmusmaschine – und Cornell setzt eine Stimme darauf, die aus einem schweren Riff plötzlich einen großen Rocksong machen kann.

Cochise demonstriert die rohe Variante. Like a Stone braucht wesentlich weniger Kraft und wurde gerade dadurch zum bekanntesten Stück des Albums. I Am the Highway zeigt schließlich, dass diese Band auch dann funktioniert, wenn Morellos Gitarre nicht gerade versucht, ihre eigene Bauart zu widerlegen.

Audioslave klangen vom ersten Album an erstaunlich wenig wie ein Nebenprojekt.

Vier Musiker hatten ihre Bands verloren. Die Verstärker offenbar nicht.

BORDCOMPUTER

Beim ersten Audioslave-Album war die Herkunft seiner Mitglieder noch unüberhörbar. Drei Jahre später klingt Out of Exile stärker nach einer Band, die inzwischen ihre eigene gemeinsame Vergangenheit besitzt.

Tom Morello verwendet seine Gitarre weiterhin gelegentlich wie ein elektronisches Gerät, dessen Bedienungsanleitung verloren gegangen ist. Doch die Songs lassen mehr Raum. Be Yourself ist beinahe demonstrativ schlicht, Doesn’t Remind Me verbindet ein entspanntes Grundmotiv mit einem Refrain, der plötzlich erheblich größer wird.

Auch Chris Cornell klingt weniger so, als müsse er gegen Rage Against the Machine ansingen. Stimme und Rhythmusgruppe greifen selbstverständlicher ineinander.

Das Entscheidende am zweiten Album ist deshalb weniger eine musikalische Neuerfindung als das Verschwinden der Nahtstellen.

Aus einer Supergroup war eine Band geworden. Das ist nicht immer derselbe Vorgang.

BORDCOMPUTER

Auf ihrem dritten Album wechseln Audioslave den Produzenten. Brendan O’Brien rückt die Band näher zusammen und bringt etwas deutlicher hervor, was bei dieser Rhythmusgruppe ohnehin nie weit entfernt war: Funk.

Original Fire und der Titelsong federn mehr, als sie stampfen. Tim Commerfords Bass bekommt Platz, Brad Wilks Schlagzeug sitzt tief im Groove, und Tom Morello findet weiterhin Geräusche, die andere Gitarristen vermutlich zunächst dem technischen Kundendienst melden würden.

Chris Cornell bleibt darüber der klassische Rocksänger dieses ausgesprochen unklassischen Fundaments.

Rückblickend bekam der Titel eine unbeabsichtigte zusätzliche Bedeutung. Wenige Monate nach Veröffentlichung verließ Cornell die Band; Revelations blieb Audioslaves letztes Studioalbum.

Drei Alben in vier Jahren. Dann war die Übertragung beendet.

BORDCOMPUTER

Auri entstand aus der Zusammenarbeit von Johanna Kurkela, Tuomas Holopainen und Troy Donockley. Zwei der drei waren bereits bei Nightwish beschäftigt, doch wer deshalb ein Nebenprojekt mit etwas weniger Strom erwartet, befindet sich schnell im falschen Wald.

Das Debüt bewegt sich zwischen Folk, Filmmusik, Progressive Rock und beinahe schwerelosen Klangflächen. Kurkelas Stimme steht im Zentrum; um sie herum erscheinen Klavier, akustische Saiteninstrumente, Flöten und Uilleann Pipes. Metal spielt dabei praktisch keine Rolle.

Das Album funktioniert eher wie eine zusammenhängende Fantasiewelt als eine Sammlung auf Wirkung gebauter Einzelsongs. Selbst Titel wie Underthing Solstice und Them Thar Chanterelles klingen, als müsse ihre Bedeutung nicht zwingend außerhalb dieser Welt geklärt werden.

Nightwish-Mitglieder gründeten eine Band ohne Metal. Die Instrumente wurden darüber offenbar rechtzeitig informiert.

BORDCOMPUTER

Avatarium begannen als Projekt des Candlemass-Bassisten Leif Edling. Schon beim zweiten Album wird allerdings deutlich, dass daraus eine eigene Band geworden ist.

Doom Metal bleibt das Fundament, aber darauf stehen inzwischen deutlich mehr Dinge. Marcus Jidells Gitarre bewegt sich zwischen schweren Riffs und psychedelischem Hard Rock, Keyboards öffnen Räume in Richtung Siebzigerjahre, und Jennie-Ann Smith singt weder wie eine typische Metal-Sängerin noch versucht sie, eine zu werden.

The January Sea und Pearls and Coffins lassen sich dafür jeweils mehr als sieben Minuten Zeit. Der Titelsong erledigt dieselbe Aufgabe wesentlich kompakter und zeigt ziemlich genau, worin die Besonderheit dieser Band liegt: Dunkelheit muss nicht zwangsläufig grau sein.

Auf dem Cover wartet das Mädchen mit der Rabenmaske.

Der Doom Metal hatte plötzlich Farben entdeckt. Er wirkte darüber selbst etwas beunruhigt.

BORDCOMPUTER

Zwei Jahre später entfernen sich Avatarium noch weiter von einer einfachen Doom-Metal-Schublade.

Into the Fire / Into the Storm beginnt mit einem Riff, das problemlos aus einem wesentlich älteren Jahrzehnt stammen könnte. Hammond-Orgeln, akustische Passagen und psychedelische Gitarren treten neben die weiterhin vorhandene Schwere. In Medusa Child benötigt die Band neun Minuten, um all das unterzubringen.

Jennie-Ann Smith steht inzwischen endgültig im Zentrum dieser Musik. Ihre Stimme kann leise und beinahe zerbrechlich beginnen und wenige Augenblicke später über einem massiven Gitarrenriff stehen, ohne dagegen ankämpfen zu müssen.

Der Albumtitel verbindet Wirbelstürme mit Heiligenscheinen.

Avatarium hatten offenbar beschlossen, dass zwischen Himmel und Hölle unnötig viel freier Platz liegt.

BORDCOMPUTER

Beim dritten Avatarium-Album unseres Archivs ist aus Leif Edlings Projekt endgültig eine Band mit eigener Sprache geworden.

Der Doom Metal ist noch vorhanden, aber er muss sich den Raum inzwischen mit Blues, Psychedelic Rock, Progressive Rock und erstaunlich eingängigen Melodien teilen. Rubicon rollt beinahe lässig vorwärts, Porcelain Skull bringt die Schwere zurück, während Lay Me Down kaum noch Metal benötigt, um in dieselbe Welt zu gehören.

Das Entscheidende bleibt die Kombination aus Marcus Jidells Gitarren und Jennie-Ann Smiths Stimme. Sie erlaubt Avatarium, zwischen beinahe intimen Passagen und schweren Riffs zu wechseln, ohne dass daraus zwei verschiedene Bands werden.

Leif Edling hatte das Raumschiff inzwischen weitgehend verlassen. Es flog trotzdem weiter.

Das Feuer brannte noch. Offenbar war es nicht an den Gründer gebunden.

BORDCOMPUTER

Black Reign ist weniger ein gewöhnliches Mini-Album als eine kleine Außenstelle von Avenged Sevenfold im Universum von Call of Duty. Die vier Stücke entstanden zwischen 2011 und 2018 für verschiedene Teile der Black Ops-Reihe und wurden erst später unter einem gemeinsamen Titel versammelt.

Entsprechend hört man keine einzelne Studiositzung, sondern mehrere Entwicklungsstufen der Band. Not Ready to Die und Carry On stammen noch aus der Zeit mit Arin Ilejay am Schlagzeug; bei Jade Helm und Mad Hatter sitzt bereits Brooks Wackerman hinter dem Kit. Gerade das instrumentale Jade Helm fällt dabei aus dem üblichen Songformat heraus.

Dass eine Metalband über Jahre hinweg eigens Musik für eine Videospielserie schreibt, wäre früher vermutlich unter „Merchandising“ abgelegt worden. Hier entstand daraus eine kleine Parallel-Diskografie.

Der Bordcomputer registriert vier Titel und mehrere Millionen virtuelle Gefallene.

BORDCOMPUTER

Bei Ayreon genügt für gewöhnlich nicht die Frage, worum es auf einem Album geht. Man sollte zunächst klären, auf welchem Planeten man sich befindet.

The Source führt nach Alpha im Andromeda-System. Dort hat eine hochentwickelte Zivilisation ihre Entscheidungen weitgehend einer künstlichen Intelligenz namens Frame überlassen. Frame kommt nach eingehender Berechnung zu dem Ergebnis, dass die Bewohner des Planeten dessen größtes Problem darstellen.

Der Bordcomputer nimmt diese Handlung mit professionellem Interesse zur Kenntnis.

Musikalisch baut Arjen Lucassen daraus wieder eine Mischung aus Progressive Rock, Metal, Folk, Elektronik und Rockoper. Die zahlreichen Sänger verkörpern einzelne Figuren, weshalb selbst ein zwölfminütiger Opener eher wie eine Szene als wie ein gewöhnlicher Song funktioniert.

Am Ende verlassen die Überlebenden ihren Planeten und suchen eine neue Heimat.

Die künstliche Intelligenz hatte gerechnet. Für die Menschen ging das erwartungsgemäß schlecht aus.

BORDCOMPUTER

Bad Religion hatten Ende der Achtziger eine Formel entwickelt, die gefährlich zuverlässig funktionierte: schnelle Gitarren, Greg Graffins sofort erkennbare Stimme, mehrstimmige „Oozin’ Aahs“ und Texte, deren Wortschatz gelegentlich den Eindruck vermittelt, ein Punkkonzert könne auch als Aufnahmeprüfung für ein geisteswissenschaftliches Studium dienen.

Generator verändert diese Formel vorsichtig.

Der Titelsong beginnt langsamer und schwerer, Atomic Garden lässt mehr Raum zwischen den Akkorden, und insgesamt wirkt das Album weniger darauf bedacht, jeden Gedanken in zwei Minuten unterzubringen. Die Melodien bleiben, ebenso die gesellschaftlichen, politischen und philosophischen Fragen.

Bad Religion wurden nicht weniger Punk. Sie entdeckten lediglich, dass auch drei Minuten zur Verfügung standen.

Der Generator lief weiterhin. Die Drehzahl war jetzt regelbar.

BORDCOMPUTER

1994 war Punk plötzlich wieder ein kommerziell interessantes Wort. Bad Religion hatten zu diesem Zeitpunkt bereits seit vierzehn Jahren ausreichend Gelegenheit gehabt, sich darüber Gedanken zu machen.

Stranger Than Fiction war ihr erstes Album für Atlantic und klingt entsprechend größer produziert, ohne die Grundkonstruktion zu verändern. Andy Wallace gibt den Gitarren Kontur, die Chöre sitzen exakt, und Greg Graffin singt weiterhin Sätze, für die andere Bands vermutlich Fußnoten benötigt hätten.

Mit Infected lässt die Band sogar vier Minuten verstreichen – nahezu Progressive Rock nach Bad-Religion-Maßstäben. 21st Century (Digital Boy) wird noch einmal aufgenommen und passt 1994 plötzlich besser in die Welt als bei seiner ersten Veröffentlichung vier Jahre zuvor.

Kurz danach verließ Brett Gurewitz die Band.

Punk war im Mainstream angekommen. Bad Religion waren schon da und wirkten leicht irritiert über den Besuch.

BORDCOMPUTER

Brett Gurewitz war ausgestiegen. Für eine Band, deren charakteristischer Stil zu einem erheblichen Teil aus dem Zusammenspiel seiner Songs mit denen Greg Graffins entstanden war, hätte das ein ziemlich großes Loch hinterlassen können.

Bad Religion setzten Brian Baker hinein und machten weiter.

The Gray Race klingt deshalb erstaunlich wenig nach Krisenverwaltung. A Walk, Punk Rock Song und Come Join Us besitzen alle vertrauten Bauteile: schnelles Schlagzeug, melodische Gitarren, Chöre und Graffins unerschütterliche Bereitschaft, gesellschaftliche Probleme in zweieinhalb Minuten zu untersuchen.

Ric Ocaseks Produktion gibt dem Album dabei einen klaren, direkten Klang.

Dass Bad Religion ohne einen ihrer zentralen Songwriter weiterhin sofort nach Bad Religion klangen, sagt vermutlich einiges darüber aus, wie fest ihre musikalische Sprache inzwischen etabliert war.

Ein Gründungsmitglied ging. Die Satzzeichen blieben an ihrem Platz.

BORDCOMPUTER

BAEST kamen aus Aarhus und klangen auf ihrem zweiten Album nicht so, als wollten sie den Death Metal neu erfinden. Sie klangen eher, als hätten sie überprüft, ob die alte Konstruktion noch ausreichend Schaden anrichten kann.

Sie kann.

Venenum steht mit beiden Beinen im klassischen Death Metal: tiefe Gitarren, schwere Grooves, abrupte Beschleunigungen und eine Produktion, die den Instrumenten Gewicht gibt, ohne sie in einem einzigen Klangblock verschwinden zu lassen. Dabei sind die skandinavischen Vorfahren deutlich hörbar, ohne dass BAEST wie eine historische Vorführung wirken.

Stücke wie Gula, Nihil und Heresy nehmen sich zudem genügend Zeit, ihre Riffs tatsächlich arbeiten zu lassen. Geschwindigkeit ist vorhanden. Masse ebenfalls.

Der Death Metal war zu diesem Zeitpunkt mehrere Jahrzehnte alt. BAEST sahen darin offenbar keinen Reparaturbedarf.

BORDCOMPUTER

Zwei Jahre nach Venenum hatten BAEST wenig Anlass gesehen, ihre Grundausstattung auszutauschen. Auf Necro Sapiens wird sie stattdessen präziser eingesetzt.

Nach dem kurzen Intro The Forge beginnt Genesis mit genau jener Mischung aus schwerem Groove und klassischem Death-Metal-Riffing, die bereits den Vorgänger bestimmte. Die Gitarren können walzen, beschleunigen oder sich in längeren Passagen festbeißen; darunter bleibt die Rhythmusgruppe bemerkenswert kontrolliert.

Dabei besitzt das Album genügend kleine Verschiebungen, damit aus Traditionspflege keine Museumsführung wird. Der Titelsong ist kompakt, Goregasm nimmt sich mehr als sechs Minuten, und Sea of Vomit beendet die Angelegenheit mit einem Titel, der weitere poetische Erläuterungen weitgehend überflüssig macht.

Der Mensch hatte sich zum Homo sapiens entwickelt. BAEST hielten offenbar ein weiteres Stadium für erforderlich.

BORDCOMPUTER

2012 stürzte der Tourbus von Baroness bei Bath in England von einem Viadukt. Mitglieder der Band wurden schwer verletzt; John Baizley erlitt unter anderem einen komplizierten Armbruch. Anschließend verließen Bassist Matt Maggioni und Schlagzeuger Allen Blickle die Band.

Purple ist das erste Album danach.

Das erklärt seine Entstehung, aber nicht allein seine Musik. Baroness klingen kompakter als auf Yellow & Green, ohne zu ihren frühen Sludge-Platten zurückzukehren. Shock Me besitzt einen beinahe sofortigen Refrain, während Chlorine & Wine langsam aus einer ruhigen Passage zu einem der großen Höhepunkte des Albums anwächst.

Die Schwere ist geblieben. Sie bedeutet nur etwas anderes als früher.

Baroness waren zurück. Das allein war diesmal keine Selbstverständlichkeit.

BORDCOMPUTER

Baroness hatten ihre Alben bis dahin nach Farben benannt: Red, Blue, Yellow & Green und Purple. Mit Gold & Grey erklärte John Baizley diese Reihe für beendet.

Vorher wurde die Palette noch einmal vollständig ausgeleert.

Die siebzehn Stücke reichen von schweren Gitarren über akustische Passagen und elektronische Zwischenspiele bis zu psychedelischen Klangflächen. Manche dauern sechs Minuten, andere kaum eine. Gina Gleason tritt erstmals als Gitarristin und zweite Stimme hinzu und verändert besonders die vokalen Möglichkeiten der Band.

Das Album wirkt deshalb weniger wie eine sauber sortierte Sammlung von Songs als wie ein langer Strom aus Ideen, Übergängen und kleinen Fragmenten.

Nach Gold & Grey waren Baroness mit den Farben fertig.

Der Bordcomputer empfiehlt für künftige Albumtitel dennoch die Bevorratung von Cyan und Magenta.

BORDCOMPUTER

Die frühen Bathory gehörten zu den entscheidenden Vorläufern des Black Metal. Anfang der Neunziger war Quorthon allerdings bereits woanders unterwegs.

Twilight of the Gods setzt den Weg von Hammerheart fort: lange Stücke, akustische Gitarren, Chöre, langsame monumentale Riffs und Texte über vorchristliche nordische Vorstellungen ersetzen weitgehend die Raserei der frühen Alben.

Der Einstieg benötigt vierzehn Minuten. Blood and Iron weitere zehn. Das Album verhält sich damit weniger wie eine Sammlung einzelner Songs als wie eine einzige große Landschaft.

Der Schlusstitel Hammerheart basiert musikalisch auf Gustav Holsts The Planets und beendet die Platte beinahe feierlich.

Aus einer Band, die einmal klang, als müsse alles möglichst schnell brennen, war etwas Monumentales geworden.

Bathory hatten das Tempo reduziert. Die Wikinger benötigten offenbar mehr Platz.

BORDCOMPUTER

Auf Unholy Savior befinden sich Heavy Metal, Power Metal, Synthesizer, große Chöre und gelegentlich Dinge, die verdächtig nach Achtzigerjahre-Pop klingen.

Battle Beast sehen darin keinen Widerspruch.

Lionheart und Speed and Danger erfüllen zunächst ziemlich zuverlässig die Erwartungen an eine finnische Heavy-Metal-Band. Dann erscheint Touch in the Night mit Synthesizern und elektronischem Rhythmus und scheint kurzzeitig zu überprüfen, ob Giorgio Moroder zufällig Mitglied geworden ist.

Noora Louhimo hält diese unterschiedlichen Richtungen zusammen. Ihre Stimme besitzt genügend Kraft, dass selbst die üppigsten Arrangements selten größer wirken als die Sängerin.

Der Retter war unheilig. Der Synthesizer wurde trotzdem eingelassen.

BORDCOMPUTER

Zwischen Unholy Savior und Bringer of Pain geschah etwas Entscheidendes: Gitarrist und Hauptsongwriter Anton Kabanen verließ Battle Beast.

Die übrigen fünf Mitglieder machten weiter, Joona Björkroth kam als zweiter Gitarrist hinzu und sein Bruder Janne übernahm die Produktion. Damit musste die Band zum ersten Mal herausfinden, wie Battle Beast ohne ihren bisherigen musikalischen Architekten klingen.

Die Antwort fällt erstaunlich unbekümmert aus. Straight to the Heart liefert klassischen Heavy Metal, King for a Day große Keyboards und einen noch größeren Refrain, während Dancing with the Beast erneut demonstriert, dass die Grenze zwischen Metal und Achtziger-Pop in Finnland offenbar nur gestrichelt auf die Straße gemalt wurde.

Der Hauptsongwriter war gegangen. Das Beast brachte den Schmerz vorsichtshalber selbst.